Uma das Pinturas Mais Antigas do Mundo

Graças ao Dogs Playing Poker , o pintor Cassius Marcellus Coolidge (também conhecido como CM Coolidge) ganhou a dúbia distinção de ser chamado de “o artista americano mais famoso de que você nunca ouviu falar”. Mas enquanto os críticos podem farejar sua contribuição para o mundo da arte, a história de suas maiores obras é rica.

 

Dogs Playing Poker não é uma pintura, mas sim uma série.

As primeiras explorações de pinturas de cães feitas por Coolidge foram feitas para caixas de charutos. Então, em 1903, o artista de 59 anos começou a trabalhar para a empresa de publicidade de lembranças Brown & Bigelow. A partir daí, ele começou produzindo obras como A blefe corajoso , simpatia Pôquer , e comprimida com quatro Aces , que foram reproduzidas como cartazes, calendários e impressões, por vezes, como partes de brindes promocionais.

Um amigo precisa de um par de bulldogs contra cinco cães enormes. Quem poderia culpá-los por escorregar cartões úteis debaixo da mesa com os dedos dos pés? Como o mais amado desta série, A Friend In Need é também o mais frequentemente chamado “Dogs Playing Poker”.

Estas PINTURAS deram a Coolidge alguma fama nos seus 60 anos

Coolidge já tinha uma reivindicação artística peculiar de fama – ele é creditado como o pai da Comic Foregrounds, aquelas atrações carnavalescas onde os turistas podem enfiar suas cabeças sobre uma figura de desenho animado como uma foto. Mas com o Dogs Playing Poker aproveitando as vendas de calendários e pôsteres, Coolidge conseguiu vender algumas das pinturas originais por US $ 2.000 a US $ 10.000.

Dogs Playing Poker nunca recebeu muitos elogios da crítica.

Encomendado para uso comercial, essas pinturas são consideradas na maioria das vezes como kitsch, arte que é basicamente ruim para o osso. Recontando a opinião intelectual dessas peças, Martin Harris , da Poker News , explicou : “Para alguns, as pinturas representam o epítome da cultura kitsch ou lowbrow, uma paródia de arte genuína”.

Na década de 1970, o kitsch era rei, e a demanda pela Dogs Playing Poker atingiu seu auge – o que tornou os cachorros prontamente disponíveis em várias formas acessíveis. Ou, como disse a crítica de arte Annette Ferrara , “Essas obras de assinatura, para o bem ou para o mal, são indelevelmente gravadas na biblioteca de slides subconscientes até mesmo da mais inclinada pessoa historicamente inclinada através de sua incessante reprodução em todo tipo de coisas efêmeras: calendários camisetas, canecas de café, propaganda ocasional. ”

Eles podem ser vistos como uma espécie de auto-retrato

Coolidge foi apelidado de “Cash” e tem sido descrito como um vigarista cujo currículo mostrou algumas mudanças de carreira. Antes de pintar para calendários, ele trabalhava na pintura de placas de rua e casas e também tentou ser um farmacêutico, um professor de artes e um cartunista. Ele também começou seu próprio banco e seu próprio jornal. Então talvez os cães que estão sempre procurando os ângulos representassem as próprias ambições de Coolidge.

KITSCH OU NÃO, Cães Jogando Poker pinturas vendem por muito dinheiro

Um leilão de 1998 resultou em uma venda original da Coolidge por US $ 74.000 na Sotheby’s. Então, em 2005, A Bold Bluff e Waterloo: Two foram colocados em leilão no Doyle New York’s Dogs in Art Auction. Antes de chegar ao quarteirão, foram feitas previsões de que o par de pinturas raras chegaria a US $ 30 mil a US $ 50 mil. Mas um licitante anônimo finalmente pagou uma gritante quantia de US $ 590.400 por eles, estabelecendo um recorde para a venda das obras de Coolidge.

Este par caro compartilha um enredo

As notas de leilão do evento Doyle explicam : “A narrativa sequencial (das pinturas) segue os mesmos ‘jogadores’ no curso de uma mão de pôquer. Na primeira ( A Bold Bluff ), nosso personagem principal, o St. Bernard, segura uma mão fraca enquanto o resto da tripulação mantém seus melhores rostos de pôquer.Na cena seguinte ( Waterloo: Two) , vemos o St. Bernard arrecadar o pote grande, para o óbvio desânimo de seus companheiros jogadores. ”

Nem todas as séries do Dogs Playing Poker se encaixam no nome

Coolidge pintou 16 peças nesta coleção, mas apenas nove delas realmente mostram cães jogando pôquer. Ensino Superior exibido filhotes de capacetes jogando futebol. Véspera de Ano Novo em Dogsville imagina uma festa romântica com jantar e cães dançantes. E Breach of Promise Suit mostrou um tribunal canino.

 

Dogs Playing Poker tem um pequeno lugar de honra em Filadélfia, NY

Coolidge foi criado na Filadélfia, mas a pequena cidade desconhecia em grande parte a fama de seu ex-morador até 1991. Foi quando sua filha de 80 anos, Gertrude Marcella Coolidge, assumiu a responsabilidade de viajar para a Filadélfia e dar uma impressão de seu livro. coleção para a cidade. Hoje, esta peça está emoldurada e está dentro do museu de um cômodo na parte de trás da biblioteca local. Os visitantes também podem pedir para ver uma pasta fina de materiais relacionados Coolidge.

A esposa e a filha de Coolidge não ficaram impressionadas com a Dogs Playing Poker

Em 2002, Gertrude, de 92 anos, disse ao The New York Times que ela e sua mãe eram mais felinas do que amantes de cães, mas ela admitiu: “Você não pode imaginar um gato jogando pôquer. Não parece que vai. ”

Dogs Playing Poker foram comparados com as peças de Tennessee Williams

Talvez isso pareça bobo. O que peças como Cat em um telhado de lata quente ou Streetcar Named Desire têm em comum com essas obras-primas kitsch? De acordo com o colaborador do New York Times, James McManus, esses trabalhos compartilham visões semelhantes sobre política sexual: “Os homens bebem, fumam e jogam pôquer. As mulheres que os servem … seu jogo é domar os garotos maus.”

Para Williams, isso significa Maggie the Cat, Stella Kowalski ou sua frágil irmã Blanche DuBois. Para Coolidge, significa um poodle para servir coquetéis, ou um par de terriers quebrando o jogo.

Coolidge inspirou-se em grandes artistas que vieram antes.

As obras de Michelangelo Merisi da Caravaggio , Georges de La Tour e Paul Cézanne são frequentemente citadas como influências sobre como Coolidge colocou seus jogadores de cartas caninas.

A elite da arte ainda não respeita o Dogs Playing Poker

A popularidade e o prestígio nem sempre vêm de mãos dadas. Críticos de arte zombam há muito tempo dos trabalhos encomendados que Coolidge realizou. Até mesmo seu obituário de 1934 descreveu sua maior realização artística como “pintou muitas fotos de cachorros”. Mas um golpe baixo foi entregue no Dia da Mentira, em abril, quando o Museu de Arte Chrysler, em Norfolk, na Virgínia, publicou uma brincadeira na forma de um comunicado de imprensa proclamando que a instituição queria exibir o Dogs Playing Poker .

O diretor da Chrysler, William Hennessey, afirmou: “Há muito tem havido um debate em círculos acadêmicos sobre a posição da arte canina no cânon. Acredito que agora é hora de essas imagens icônicas assumirem seu lugar nas paredes de nossas instituições”. onde a arte homocêntrica tem sido injustamente privilegiada “.

Este elogio foi seguido por um adendo: ” NOTA DO EDITOR: April Fool! Toda palavra impressa acima é verdadeira com a única exceção da sugestão que o Chrysler está realmente tentando obter estas pinturas.”

Os críticos podem estar perdendo o ponto

Muitos críticos rejeitaram as obras de Coolidge como triviais por causa de suas origens comerciais. Mas no livro de 2004, Poplorica: A Popular History of the Fads, Mavericks, Invenções e Lore, Shaped Modern America , Martin J. Smith e Patrick J. Kiger propuseram que o Dogs Playing Poker era uma série satírica destinada a zombar da classe alta em seus excessos e atitudes. Basicamente, os críticos de Coolidge podem não estar na verdadeira piada aqui.

Alguns dos Maiores Pintores do Brasil

Sempre é dificil e arriscado criar uma lista de quem são os maiores pintores do nosso Brasil, porem neste artigo vamos ver se conseguimos trazer alguns dos mais importes pintores do cenario nacional para você conhecer melhor seus trabalhos e influências.

Como você coloca a poesia em movimento? Tem gente que escreve versos, tem aqueles que se expressam por crônicas. Uns preferem logo já escreverem um livro inteiro, outros partem para os rabiscos, traços e pinceladas. Toda forma de arte é poesia. Tudo aquilo que te toca, comove, emociona e transborda é poesia.

Tarsila do Amaral

Tarsila do Amaral

Tarsila é um dos nomes mais fortes do Brasil, pois foi uma figura central para a primeira fase do modernismo no Brasil. A artista vivia na Europa, porém retornou ao país para o “Grupo dos Cinco”, do qual faziam parte também Anita Malfatti, Mario de Andrade, Oswald de Andrade e Menotti Del Picchia, na Semana de Arte Moderna.

Tarsila do Amaral Abaporu

“Abaporu” – considerada a tela brasileira mais valorizada no mundo, tendo alcançado o valor de US$ 2,5 milhões em um leilão.

A arte de Tarsila é impregnada por cores vivas e ela teve bastante influência do cubismo, ao incluir formas geométricas em suas pinturas. A artista também priorizava temas sociais e do cotidiano, além de paisagens do Brasil para reproduzir em suas telas.

O quadro “Abaporu” ganhou fama por ser a primeira obra do movimento antropofágico nas artes plásticas. Além do movimento Pau-Brasil, ela criou o movimento Antropofágico que pretendiam que os artistas brasileiros tivessem mais contato com a arte europeia. Entre as propostas desta fase, Tarsila defendia que os artistas brasileiros deveriam conhecer bem a arte europeia, porém deveriam criar uma estética brasileira, apenas inspirada nos movimentos europeus.

“O lavrador de café”, reproduz uma fazenda de café do século 20. Retratar essa figura com pés e mães enormes era uma forma do artista mostrar a importância do trabalhador brasileiro.

 

Portinari

O lavrador de café

O artista plásticos Candido Torquato Portinari é conhecido pela beleza, qualidade e quantidade de obras finalizadas. Foram quase 5 mil obras. Destaque para O Lavrador de Café (na imagem de destaque) e seu painel Guerra e Paz. Ele é considerado o pintor brasileiro com maior expressão internacional. Sua fama começou quando, em 1935, recebeu uma premiação pela obra Café, em Nova Iorque.

Em suas obras é comum encontrar temas como questões sociais do país, religiosidade e ele tinha influência do surrealismo, cubismo e da arte dos muralistas mexicanos. Para citar algumas de suas obras mais famosas, temos “A Primeira Missa no Brasil”, “São Francisco de Assis” e Tiradentes”.

 

Di Cavalcanti – “Samba”

samba Di Cavalcanti

O pintor, ilustrador e caricaturista Emiliano Augusto Cavalcanti de Albuquerque e Melo, começou cedo na carreira das artes plásticas. É dele a autoria da capa do catálogo produzido para a Semana de Arte Moderna de 22, além de ter exposto 11 obras no evento. Di Cavalcanti também ilustrou a capa dos livros de dois grandes escritores brasileiros: “Carnaval”, Manuel Bandeira e “O losango de Cáqui”, de Mário de Andrade.

Um dos trabalhos mais populares do artista foi a pintura da Via-Sacra para a recém inaugurada catedral de Brasília. Assim como seus colegas, elegia os temas nacionais para expor em suas obras, principalmente o samba, mas também os operários, as favelas, festas populares… Ele foi influenciado pelos movimentos expressionista, cubista e dos muralistas mexicanos.

Carybé

Lavadeiras
“Lavadeiras”

Carybé é o nome artístico de Hector Julio Páride Bernabó. De múltiplos talentos, foi pintor, gravador, desenhista, ilustrador, ceramista, escultor, muralista, historiador e jornalista. Carybé nasceu na argentina, mas é brasileiro naturalizado e residente no Brasil desde 1949 onde residiu até sua morte, em 1997.

Sua paixão pela Bahia influenciou não só suas obras com elementos como a capoeira, os rituais afro-brasileiros, as belezas naturais, entre outros, mas também quando ele assumiu o cargo de secretário da educação do estado da Bahia. O artista também ilustrou duas capas de livros bem importantes: “Cem Anos de Solidão”, de Gabriel Garcia Márquez e “Macunaíma”, de Mario de Andrade.

Aprenda mais sobre esta maravilhosa arte, descubra a pintura. Ame a Pintura.

Resumo da historia da Pintura

Pintura é uma técnica que utiliza pigmentos em forma líquida para colorir uma superfície, atribuindo tons e texturas, esta superfície pode ser tela, papel ou parede. A pintura é diferente do desenho por usar pigmentos líquidos.

A cor é o elemento essencial da pintura. A estrutura fundamental de uma obra é composta pela relação entre as massas coloridas.

A pintura faz parte da vida do ser humano desde o Renascimento, foi umas das principais formas de representação dessa época, está presente nos dias atuais.

A pintura se expressa através da superfície onde será produzida e dos materiais, como pincéis e tintas, que lidam com os pigmentos.

Além da pintura convencional existe a pintura figurativa, que é a reprodução de um tema familiar à realidade natural ou interna do artista.
A pintura refere-se genericamente à técnica de aplicar pigmento em forma pastosa, líquida ou em pó a uma superfície, a fim de colori-la, atribuindo-lhe matizes, tons e texturas.

Em um sentido mais específico, é a arte de pintar uma superfície, tais como papel, tela, ou uma parede (pintura mural ou de afrescos).  Devido ao fato de grandes obras de arte, tais como a Mona Lisa e A Última Ceia, do renascentista Leonardo Da Vinci, serem pinturas a óleo, a técnica é historicamente considerada uma das mais tradicionais das artes plásticas. Com o desenvolvimento tecnológico dos materiais, outras técnicas tornaram-se igualmente importantes como, por exemplo, a tinta acrílica.

Resumo da historia da Pintura

Diferencia-se do desenho pelo uso dos pigmentos líquidos e do uso constante da cor, enquanto aquele apropria-se principalmente de materiais secos.

No entanto, há controvérsias sobre essa definição de pintura. Com a variedade de experiências entre diferentes meios e o uso da tecnologia digital, a ideia de que pintura não precisa se limitar à aplicação do “pigmento em forma líquida”. Atualmente o conceito de pintura pode ser ampliado para a “representação visual através das cores”. Mesmo assim, a definição tradicional de pintura não deve ser ignorada. O concernente à pintura é pictural, pictórico, pinturesco, ou pitoresco.

Cor (Resumo da historia da Pintura)

Na pintura, um dos elementos fundamentais é a cor. A relação formal entre as massas coloridas presentes em uma obra constitui sua estrutura básica, guiando o olhar do espectador e propondo-lhe sensações de calor, frio, profundidade, sombra, entre outros. Estas relações estão implícitas na maior parte das obras da História da Arte e sua explicitação foi uma bandeira dos pintores abstratos ou não-figurativos. A cor é considerada por muitos artistas como a base da imagem.

Resumo da historia da Pintura

A pintura acompanha o ser humano por toda sua história. Ainda que durante o período grego clássico não tenha se desenvolvido tanto quanto a escultura, a Pintura foi uma das principais formas de representação dos povos medievais, do Renascimento até o século XX.

Mas é a partir do século XIX com o crescimento da técnica de reprodução de imagens, graças à Revolução Industrial, que a pintura de cavalete perde o espaço que tinha no mercado. Até então a gravura era a única forma de reprodução de imagens, trabalho muitas vezes realizado por pintores. Mas com o surgimento da fotografia, a função principal da pintura de cavalete, a representação de imagens, enfrenta uma competição difícil. Essa é, de certa maneira, a crise da imagem única e o apogeu de reprodução em massa.

No século XX a pintura de cavalete se mantém através da difusão da galeria de arte.

Mas a técnica da pintura continua a ser valorizada por vários tipos de designers (ilustradores, estilistas, etc.), especialmente na publicidade. Várias formas de reprodução técnica surgem nesse século, como o vídeo e diversos avanços na produção gráfica.

A longo do século XX vários artistas experimentam com a pintura e a fotografia, criando colagens e gravuras, artistas como os dadaístas e os membros do pop art, só para mencionar alguns. Mas é com o advento da computação gráfica que a técnica da pintura se une completamente à fotografia. A imagem digital, por ser composta por pixels, é um suporte em que se pode misturar as técnicas de pintura, desenho, escultura (3D) e fotografia.

A partir da revolução da arte moderna e das novas tecnologias, os pintores adaptaram técnicas tradicionais ou as abandonaram , criando novas formas de representação e expressão visual.

Pintura figurativa e abstrata (Resumo da historia da Pintura)

 

Quando o artista pretende pintar num quadro uma realidade que é familiar, natural e sensível ou interna, a pintura é essencialmente a representação pictórica de um tema: é uma pintura figurativa. O tema pode ser uma paisagem (natural ou imaginada), uma natureza morta, uma cena mitológica ou cotidiana, mas independente disto a pintura manifestar-se-á como um conjunto de cores e luz. Esta foi praticamente a única abordagem dada ao problema em toda a arte ocidental até meados do início do século XX.

A partir das pesquisas de Paul Cézanne, os artistas começaram a perceber que era possível lidar com realidades que não necessariamente as externas, dialogando com características dos elementos que são próprios da pintura, como a cor, a luz e o desenho. Com o aprofundamento destas pesquisas, Wassily Kandinsky chegou à abstração total em 1917. A pintura abstrata não procura retratar objetos ou paisagens, pois está inserida em uma realidade própria.

A abstração pode ser, porém, construída, manifestando-se em uma realidade concreta porém artificial. Esta foi a abordagem dos construtivistas e de movimentos similares. Já os expressionistas abstratos, como Jackson Pollock, não construíam a realidade, mas encontravam-na ao acaso. Este tipo de pintura abstrata resulta diametralmente oposta à primeira: enquanto aquela busca uma certa racionalidade e expressa apenas as relações estéticas do quadro, esta é normalmente caótica e expressa o instinto e sensações do artista quando da pintura da obra.

Técnica – Resumo da historia da Pintura

O segredo sãos os diversos tipos diferentes de tintas. Toda pintura é formada por um meio líquido, chamado médium ou Substâncias aglutinante, que tem o poder de fixar os pigmentos (meio sólido e indivisível) sobre um suporte.

A escolha dos materiais e técnica adequadas está diretamente ligada ao resultado desejado para o trabalho e como se pretende que ele seja entendido. Desta forma, a análise de qualquer obra artística passa pela identificação do suporte e da técnica utilizadas.

O suporte mais comum é a tela (normalmente feita com um tecido tensionado sobre um chassis de madeira), embora durante a Idade Média e o Renascimento o afresco tenha tido mais importância. É possível também usar o papel (embora seja muito pouco adequado à maior parte das tintas).

Quanto aos materiais, a escolha é mais demorada e, normalmente, envolve uma preferência pessoal do pintor e sua disponibilidade. O papel é suporte comum para a aquarela e o guache, e eventualmente para a tinta acrílica.

As técnicas mais conhecidas são: a pintura a óleo, a tinta acrílica, o guache, a aquarela, a caseína, a resina alquídica, o afresco, a encáustica e a têmpera de ovo. É também possível lidar com pastéis e crayons, embora estes materiais estejam mais identificados com o desenho.

Paisagem – Resumo da historia da Pintura

Paisagem é um conceito que tem sido utilizado nas artes e na ciência, principalmente na Geografia, na Ecologia e na Arquitetura Paisagista. De acordo com a Convenção Europeia da Paisagem: “designa uma parte do território, tal como é apreendida pelas populações, cujo carácter resulta da ação e da interação de fatores naturais e/ou humanos”.

É um conceito que mantém uma forte relação com o visual e com o imediatamente percebido. Em uma definição do senso comum, paisagem é definida como a porção visível do espaço, bem como sua representação. Contudo, sua abordagem científica vai muito além desta concepção. Numa abordagem científica, a paisagem está relacionada principalmente a padrões espaciais e processos formados pelas relações entres os componentes naturais e aqueles construídos, sendo o visível apenas um de seus aspectos.

Por incluir aspectos da natureza e sociedade, o conceito de paisagem tem sido considerado como um guarda-chuva para projetos de melhoria da qualidade ambiental e urbana, a exemplo daqueles apoiados pela Iniciativa Latinoamericana da Paisagem.

Eu Descobri que a Paula Abreu também gosta de pintar, principalmente na parte da manha. A Paula Abreu criadora do programa escolha sua vida.

Os 5 Pintores mais conhecidos do mundo

A Arte em si já é um conceito muito antigo, e dentro da arte a pintura talvez seja a área mais conhecida. Porém, ainda que seja algo antigo, o conhecimento de muitas pessoas sobre arte ou pintores não passa de já ter ouvido falar ou visto na televisão o quadro “Mona Lisa”. E é para mudar isso que nós trouxemos hoje uma lista de 5 pintores que estão entre os mais conhecidos do mundo, contendo e um breve resumo sobre quem eles eram e fotos de algumas de suas obras.

1 – Cândido Portinari (1903 – 1962)

Grande pintor brasileiro, filho de imigrantes italianos, nascido em uma fazenda em São Paulo. Estudou na Escola de Belas Artes do Rio de Janeiro e passou por diversos países europeus. Uma de suas principais características era retratar questões sociais do Brasil.

Algumas de suas obras:
“CAFÉ” – PORTINARI
“OS RETIRANTES” – PORTINARI
“O LAVRADOR DE CAFÉ” – PORTINARI

2 – Leonardo da Vinci (1452-1519)

Pintor renascentista italiano que também tinha excelente desenvoltura em áreas como arquitetura, matemática, engenharia e outras. Trabalhou grande tanto em seu país de origem como também na França, onde trabalhou para o Rei Francisco I.

Algumas de suas obras:
“MONA LISA” – LEONARDO DA VINCI
“A ÚLTIMA CEIA” – LEONARDO DA VINCI
“MADONNA LITTA” – LEONARDO DA VINCI

3 – Michelangelo (1475-1564)

Nascido na Itália, Michelangelo foi um dos maiores artistas e escultores de sua época, mesmo não tendo o apoio de seus pais no início de sua carreira. Além de pinturas e esculturas também trabalhou com arquitetura e poesia. Pintou o teto da Capela Sistina, admirada até hoje por centenas de pessoas.

Algumas de suas obras:
AFRESCOS DO TETO DA CAPELA SISTINA
JULGAMENTO FINAL

4 – Pablo Picasso (1881-1973)

Artista espanhol que trabalhou principalmente na França. Passou por diversas fases em sua carreira, como a chamada “Fase Azul”, período no qual suas obras eram predominadas por tons de azul e a “Fase Rosa”, sendo predominantes as cores rosa e vermelho. Passou também pelo cubismo e dedicou-se a áreas como esculturas e cerâmicas.

Algumas de suas obras:
“THE TRAGEDY” – PICASSO
“QUEEN ISABEL” – PICASSO
“FEMME AU MIROIR” – PICASSO

5 – Van Gogh (1853-1890)

Pintor nascido na Holanda, Van Gogh passou por cidades como Londres e Paris, onde recebeu influência de mestres do impressionismo. Sofria de depressão, cortou sua própria orelha e acabou morrendo três dias após dar um tiro em si mesmo.
“STARRY NIGHT” – VAN GOGH
PAISAGEM DE OUTONO, VAN GOGH
A PONTE LANGLOIS EM ARLES, VAN GOGH

Espero que tenha gostado, um forte abraço e até o próximo artigo.